CULTURA TRADIÇÃO: Documentario que serviu de TCC para essa turma nota 10 de jornalistas.

Documentario que serviu de TCC para essa turma nota 10 de jornalistas.

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As Meninas do Mesquita.

Temos orgulho de representar C. Ocidental município goiano e entorno de Brasília através de uma dança folclórica um pouco esquecida no mundo moderno que é o catira, amamos o que fazemos e cada vez mais nossa amizade é firmada numa saudade de tempos distantes que mesmo não tendo sido vividos por nós está no nosso sangue enraizado em nossos corações nos trazendo imensa alegria em manter essa tradição.
O Grupo Tradição Goiana, formado por seis componentes surgiu em 26 de abril de 2004, pela necessidade de manter a tradição dessa dança típica da nossa região.
Um grupo onde seus integrantes, mesmo não tendo uma herança passada de pai para filho, têm no sangue o sentimento de respeito e admiração por toda essa tradição caipira que hoje faz parte da nossa vida.
Com o intuito de manter preservadas essas tradições, o grupo vem tentando levar essa cultura para o maior número possível de pessoas.
Nossa intenção é conscientizar as pessoas da necessidade de manter viva nossa verdadeira cultura para que no futuro nossos descendentes tenham a oportunidade de conhecer suas raízes.
O grupo tem o propósito de aprender o maior número possível de danças rurais sempre preservando o tradicionalismo de cada uma. Sabemos que no interior do Brasil a uma enorme diversidade de danças que representam cada região, por isso sempre que temos a oportunidade não medimos esforços para fazer com que o grupo aprenda cada dança. Eis o porquê para o nome do grupo ser “Tradição Goiana”.
Representamos também a Comunidade Mesquita que era uma Fazenda que abrigou um dos maiores Quilombos do estado do Goiás, que fica no Município da Cidade Ocidental. Um povoado de Remanescentes Quilombolas que também lutam a cerca de 200 anos para manter suas tradições e a catira é considerada uma das danças culturais da região.

O grupo:

* Elvira Rosa
* Maria Elisabete
* Maristela Curado
* Márcia Curado
* Marcilene Curado
* Anne Érica,
* Izaura Pereira Apoio.

SUSTENTABILIDADE, SAIBA O QUE É.

Sustentabilidade cultural ... Afinal, o que seria? O termo tem sido discutido entre alunos e professores da Faculdade Araguaia, em Goiânia, e questionado também quando se trata de meio ambiente.

Nos últimos anos, alguns estudiosos têm relacionado a ‘diversidade cultural’ como a necessidade de provocar os ambientalistas que trabalham de forma restrita com a definição de biodiversidade’. Nesse sentido, um dos objetivos da preservação ambiental seria a de manter as raízes culturais de índios, sertanejos e de outras comunidades, que vivem em comunhão com a natureza. "Os monocultores da cana, por exemplo,deveriam entender que, ao destruir determinado espaço, estão destruindo também a cultura de um povo ou comunidade.
Quando falamos em sustentabilidade cultural, nos referimos a manifestações que estão relacionadas com a vida das pessoas", afirma o sociólogo, jornalista e documentarista Márcio Venício Nunes.

Segundo ele, quando o dinheiro (capital)se faz necessário para preservar uma determinada manifestação cultural, tal realidade significa que sozinha, no seu estado natural, ela não sobrevive. E, portanto, deixa de ser cultura. "O mesmo dinheiro que a destruiu não tem forças para promover o resgate, e nem conseguiria. É como uma espécie viva; depois de extinta, acabou",
argumenta.

Ações sustentáveis e responsáveis

A preservação de patrimônios culturais, investimentos na área turística e em outros setores de atividade – como a educação, por exemplo — são algumas ações com foco na sustentabilidade cultural. Elas buscam democratizar o acesso da população a bens culturais, seja pela recuperação e restauração de obras e acervos que compõem o patrimônio cultural; com a manutenção de museus e registros históricos da cultura brasileira; ou por meio da difusão e leitura de obras literárias e promoção de oficinas de arte e música, com a participação de crianças e jovens.
Esses são projetos que representam ações privadas de interesse público voltados ao segmento cultural.

Formada em Letras e especialista em Literatura, a professora Rita Coni define a sustentabilidade como um termo "amplo e relativamente novo, tanto que não é encontrado com facilidade em dicionários".

Para Rita, a sustentabilidade cultural seria parte da responsabilidade social, "uma vez que a população deve refletir sobre o fato de que a reprodução do capital depende essencialmente da capacidade da humanidade se reproduzir em condições saudáveis".

O Primeiro Encontro de Catira na cidade de Rio Claro, em São Paulo, também pode ser exemplificado como um projeto de apoio à sustentabilidade cultural. O evento visa levar à população o conhecimento desta festa popular, além de registrar a catira como técnica de dança, para que possa, ao longo do tempo, ser repassada a quem desejar.

Violeiro das festas catireiras e divulgador das manifestações culturais na cidade de Uberaba,em Minas Gerais, o diretor artístico Wosley Torquato conta que raramente os dançarinos são remunerados ao se apresentarem.

Para garantir a sobrevivên-cia dos grupos, no entanto, há uma saída: a solicitação de verbas junto aos canais competentes da esfera pública, na área cultural.
Dessa forma, é viável a captação de recursos de empresas privadas – com a contrapartida da isenção fiscal – não apenas para as comunidades catireiras, mas também para representantes de outras manifestações culturais.

A força da tradição

Desde a época do Brasil colonial, nos tempos do tropeirismo, encontramos a catira em nossa história. Trata-se de uma autêntica dança brasileira, presente em diversas regiões do país. Ela é uma das mais antigas representações da alegria, criatividade e, principalmente, da arte do nosso
povo.

Muitas pessoas de origem rural participam das festas levando os mais jovens para conhecerem a tradição de seus pais e avós. Durante esses encontros, há muita vibração ainda nas cavalgadas, provas da argolinha, romarias, concursos de marcha,baliza e tambor, entre outros destaques do folclore regional.

Junior Mureb, de 48 anos, é outro catireiro que promove ‘eventos sustentáveis’. Ele vive no estado do Rio de Janeiro, e lembra que a tradição histórica de fazendas jesuíticas onde portugueses e índios tamoios dançavam e batiam os pés e as mãos: é a catira, iundú ou cateretê. "O Rio de Janeiro abriga a cultura indígena de várias partes do Brasil e também dos negros. Para apresentarem suas danças e outras manifestações culturais, todos realizam pesquisas, fundam associações e lutam por benefícios estaduais paras suas comunidades", destaca.

Mureb reclama que do pouco apoio obtido em órgãos públicos. Apenas as secretarias de agricultura e da cultura é que eventualmente nossos parceiros", sublinha. Para o catireiro, falta preparo e conscientização de crianças e jovens, nas próprias escolas, para a importância das festas e tradições populares não apenas no sentido religioso, mas também como forma de cultura sustentável. "Esses eventos, além de atrativos com sua música, dança e folclore, envolvem a geração de emprego e renda. É muito importante contribuirmos para a preservação desses grupos", arremata.
Texto de NAYARA ALVES

PAÍS RICO É PAÍS COM CULTURA!

PAÍS RICO É PAÍS COM CULTURA! Brasília , 3 de setembro de 2011O povo brasileiro tomou nas urnas a decisão de construir um país rico, soberano e democrático.A cultura do Brasil, seus produtores e agentes em sua mais rica diversidade, se engajou desde o começo do governo Lula no projeto de universalização do conhecimento, do acesso à produção de bens culturais e na distribuição do poder simbólico, econômico e político. Em outras palavras: construir agora o Brasil do futuro, apostando no desenvolvimento e na inclusão, contando com a “inteligência popular brasileira” e a imaginação dos povos dos Brasis.Por isso, durante os dois governos Lula, a sociedade civil organizada, os coletivos e redes, produtores e agentes estabeleceram uma inédita e saudável relação com o governo no sentido de construir um projeto de cultura para o Estado Brasileiro. A herança maior das duas últimas gestões à frente do MinC é a constituição de uma rede imensa e capilar que vai dos mestres da cultura popular aos hackers.Durante o governo Lula estas redes não foram apenas atendidas pelas políticas públicas, senão que tornaram-se os sujeitos do processo, fazedores de cultura e de país. Tal legado é patrimônio de todos aqueles que lutaram pelo projeto de nação encabeçado por Dilma Rouseff.
A Crise Estrutural do MinCPassados 8 meses de governo, segue a crise do MinC, cujo último episódio foi a saída da Secretária de Cidadania e Diversidade Cultural, e as ameaças de novas demissões e desentendimentos.A sociedade civil organizada, produtores e agentes culturais, parlamentares, ativistas de dentro e de fora do campo cultural, entendem que esta é a hora de uma correção de rumo no Ministério da Cultura.É necessário uma repactuação com os movimentos culturais que construíram e deram apoio à política pública de cultura gestada no governo Lula e sua continuidade, avanço e ampliação no governo que elegemos. Não podemos mais aceitar que as conquistas e avanços da sociedade brasileira no campo cultural, chanceladas pela sociedade civil e pelo Estado e tornadas públicas no Plano Nacional de Cultura continuem a ser desrespeitadas e ignoradas.País rico é país com democracia participativa e por isso não podemos aceitar o rompimento do diálogo construído com os movimentos e agentes em gestão compartilhada nos 8 anos do governo Lula. Estes mesmos avanços nos últimos 8 meses do governo Dilma Roussef sofreram retrocessos ou estão paralisados, diante da crise de legitimidade e confiança na qual se vê submerso o MinC.Os movimentos culturais organizados estão buscando há 8 meses a retomada da experiência de co-gestão e participação da sociedade civil nos rumos da Cultura.Todos os esforços estão sendo feitos para essa repactuação, por isso reivindicamos que as novas mudanças sejam debatidas e consultadas de forma franca e ampla junto aos movimentos culturais que estiveram durante esses últimos meses e nestes 3 dias de agosto e inicio de setembro reunidos em Brasília, em diálogo direto com todas as Secretarias do Ministério da Cultura (com exceção da Secretaria de Cidadania e Diversidade Cultural, demissionária).Destacamos os pontos fundamentais defendidos por diferentes movimentos, que vem sendo debatidos desde a primeira crise do MinC:- A implementação do Plano Nacional de Cultura aprovado pelo governo Lula;- A aprovação da PEC 150 e do Procultura como enviados para o Congresso;- A publicização do texto final da Reforma da Lei dos Direitos Autorais e seu envio ao Congresso, mantendo-se os avanços propostos pela sociedade em consulta pública; entre eles a fiscalização de instituições como o ECAD (Escritório Central de Arrecadação e Distribuição), e a criação de Instituto ou Agência Reguladora na área de direitos autorais, estímulo a produção de conteúdos culturais, educacionais abertos, descriminzalização da cópia e o estímulo ao uso de licenças flexíveis, como o Creative Commons;- A defesa do Programa Cultura Viva, a manutenção dos 3 mil Pontos e Pontões de Cultura e suas ações. O pagamento de todos os Editais, pagamento das Bolsas de Incentivo Griô, Renovações dos convênios de Pontos e Pontões, a manutenção e expansão da Rede dos Pontos de Cultura, a contemplação de novas redes e a definição de um novo marco legal;- Retomada do protagonismo nacional e internacional em Cultura Digital, conquistado pelo MinC, no governo Lula;- Retomada dos programas de Diversidade Cultural, abandonados nesta gestão;- Aprovação da Lei Cultura Viva, Aprovação da Lei dos Mestres e Lei Griô;- A Revisão da proposta orçamentária para o Minc em avaliação no Congresso Nacional, que canaliza grande parte das verbas da cultura para obras e infra-estrutura, inviabilizando as demais ações do Programa Cultura Viva (rede dos Pontos de Cultura, Ação Cultura Digital, etc.) de forma desproporcional e assimétrica;- Defendemos também o maior diálogo do Ministério da Cultura, com nossa participação, em ações transversais com os demais ministérios, particularmente com o MEC, Ministério das Comunicações, Ministério da Ciência e Tecnologia, Ministério do Trabalho e em ações como a do Plano Nacional de Banda Larga.O MinC somos nós e nosso compromisso é com o viável e com o possível.Por tudo isso, solicitamos à Presidenta Dilma Roussef, aos parlamentares, ativistas, sociedade civil e movimentos culturais e sociais que juntos possamos estancar as crises sucessivas no Ministério da Cultura, para repactuarmos o compromisso assumido entre o Estado brasileiro, os movimentos culturais e a sociedade civil de um projeto de continuidade, inovação e avanços na cultura brasileira que esteja à altura do papel que o Brasil assumiu como protagonista e referência na cena global em termos de políticas culturais inovadoras.É preciso que nos unamos ao redor de um projeto no qual a cultura seja convocada de fato a cumprir sua vocação de inventora de futuro, desenvolvimento, soberania, sustentabilidade, democracia e inclusão social. É preciso confiança na Cultura Brasileira!

FOLIA DE REIS

A
Folia de Reis é uma manifestação da religiosidade popular que se caracteriza
como mistura de danças, encenações, cantorias, violas e declamações de trovas.
Um tempo de festa que ocorre no final e início de cada ano, tendo como ponto
culminante o Dia dos Santos Reis, seis de janeiro, ainda dia Santo de Guarda
para todos que mantêm a tradição da Folia. Da encenação participam diversos
componentes, com algumas personagens fantasiadas, como os três reis magos, os
pajens, o alferes, dois mordomos, os fidalgos que representam a corte real, os
"espantalhos", além dos violeiros e cantores.
À frente da folia,
enquanto peregrinam ou quando cantam, um festeiro carrega a bandeira dos Santos
Reis (ou da representação do presépio). A figura do Divino Espírito Santo também
é ali representada pela pomba. Há ainda uma pequena varinha (o cetro real) que
é enfeitada com muitas fitas coloridas, além da coroa. Tudo é muito colorido e
alegre, pois a alegria é uma marca constante da peregrinação. Os foliões
caminham cantando, dançando e rezando ao som de instrumentos como violas,
violões, cavaquinhos, tambores, sanfonas, caixas e pandeiros.
Nalgumas regiões é
comum chamarem o evento da folia como Reisado. Reisado é o mesmo que Folia de
Reis, que pode também ser chamada de de Ranchos, Trios, Grupos de cantores e
acompanhamento dos Três Reis Santos, segundo a modalidade em se desenvolvem os
festejos. Da mesma natureza nós temos, pelo Brasil afora, os dançarinos que
costumam sair pelas ruas das cidades, principalmente nas periferias e também no
meio rural, anunciando o nascimento de Jesus com graça e alegria. Esses grupos
folclóricos usam muitos adereços e roupas coloridas, parando de casa em casa
para apresentar seu número de canto e pedir uma oferenda. Há, portanto uma
variedade de manifestação de fé, tendo como referência a Folia de Reis, em
torno do nascimento de Jesus. Dentro deste contexto escolhemos o tema "A
Expressão da Fé na Folia de Reis", objetivando resgatar a memória de uma
das festas mais significativas dentro da religiosidade popular, onde, os
jovens, as crianças, e os adultos participam com prazer e alegria, misturando a
fé a uma manifestação artística e folclórica que apresenta o nascimento do
Salvador. Pois foi quando o menino Jesus nasceu, que os três reis saíram e peregrinaram,
levando a eles os seus presentes.
E, tendo nascido Jesus
em Belém da Judéia, no tempo do rei Herodes, eis que uns magos vieram do
Oriente a Jerusalém, perguntando: onde está o recém-nascido rei dos Judeus?
Porque vimos a sua estrela no oriente e viemos adorá-lo (Mt 2, 1-2).
Por aquele tempo
correu a notícia do nascimento do Salvador, que levou os três reis magos,
Gaspar, Belchior e Baltazar a fazerem uma peregrinação, uma longa viagem,
guiados por uma estrela. Chegando em Belém da Judéia, numa manjedoura, lá
encontraram José, Maria e o menino Jesus, eles então o adoram e oferecem-lhe
presentes: ouro, incenso e mirra.
Desde então a prática
da Caminhada dos três Reis Santos perpetua até os dias de hoje. O grupo de
foliões faz suas caminhadas a procura do presépio, levando as figuras de José,
Maria e Jesus, estampadas numa bandeira de pano. Os foliões fazem suas
louvações com músicas, rezas e danças, entoando ladainhas com muita
demonstração de fé. Cada grupo ao seu modo, mas com a mesma devoção: venerar,
adorar o Salvador recém-nascido e anunciar o seu nascimento a todos os homens e
mulheres de fé. São, assim, a seu modo, evangelizadores, pois anunciam, de casa
em casa, a boa notícia trazida pelo anjo do Evangelho de Lucas, capitulo 2,
versos 10-12:
Porém o anjo
disse-lhes: Não temais porque eis que vos anuncio uma boa-nova, que será de
grande alegria para todo o povo: Nasceu-vos hoje na cidade de Davi um Salvador,
que é o Cristo, o Senhor. Eis o sinal: encontrareis um menino envolto em panos
e deitado em uma manjedoura.

Socializando

Neste trabalho temos como objetivo discutir a partir da pesquisa bibliográfica a dança como conteúdo de ensino nas aulas de Educação Física escolar problematizando alguns desafios da prática pedagógica na atualidade. Considerando este estudo que envolve a dança trazemos algumas questões. Por que as pessoas dançam ou não? Quais os benefícios que a dança pode proporcionar aos praticantes? Quais as condições de aplicabilidade da dança na escola?

Em busca destas respostas decidimos estudar o tema de forma mais aprofundada. A dança sempre fez parte da vida humana e antes mesmo do homem falar ele se expressava corporalmente por meio da dança ritualística buscando aproximar-se das forças da natureza. Tavares (2005, p. 93) explica que existem indícios de que o homem dança desde os tempos mais remotos. Todos os povos, em todas as épocas e lugares dançaram para expressar revolta ou amor, reverenciar deuses, mostrar força ou arrependimento, rezar, conquistar, distrair, enfim, viver.

Com o passar dos anos, a dança foi sendo cada vez mais conhecida e valorizada. Atualmente, é um importante conteúdo de ensino e aprendizagem nas aulas de Educação Física escolar, no entanto, é pouco explorado, ou ainda é desenvolvido de forma descontextualizada.

A Educação Física, segundo o Coletivo de Autores (1992, p. 41), possui conhecimentos específicos a serem tratados pedagogicamente, sistematizados no contexto escolar. Dentre esses conteúdos, materializados na expressão corporal como linguagem, encontra-se a dança.

Segundo Verderi (2000, p. 59), a dança pode criar condições para que se estabeleçam relações interativas, propiciando o conhecimento do próprio corpo e de suas possibilidades como forma de compreensão crítica e sensível do mundo que nos rodeia. No entanto, o trabalho com este conteúdo na escola, muitas vezes, se restringe as apresentações em festividades escolares, “as dancinhas”, ou seja, coreografias elaboradas exclusivamente pelos professores a serem incorporadas de forma “mecânica”, as quais não têm significado para os alunos, pois são tratadas de forma superficial.

De acordo com Marques (2007, p. 101), um repertório de dança bem ensaiado não cumpre o papel artístico e educativo. A dança na escola tem o compromisso de “ampliar a visão e as vivências corporais dos alunos em sociedade a ponto de torná-lo um sujeito criador-pensante de posse de uma linguagem artística transformadora”.

Ressaltamos aqui a importância da dança como patrimônio histórico cultural da humanidade e como linguagem artística que possibilita o desenvolvimento da criatividade, de uma forma de expressão poética de idéias, sentimentos, visões de mundo.

Não podemos nos esquecer também de que a dança já faz parte do contexto dos Parâmetros Curriculares Nacionais tanto de Educação Física como de Arte, ou seja, uma prática da cultura corporal a ser desenvolvida de forma interdisciplinar na escola. (BRASIL, 1997; 1998).

No entanto, Marques (2007) ressalta que na maioria dos casos os professores não sabem o que, como ou até mesmo por que ensinar dança na escola, refletindo as lacunas na formação profissional em Educação Física. Portanto, admite-se que as propostas pedagógicas na área da dança-educação deverão propiciar metodologias não-diretivas que possibilitem aos alunos a expressão corporal, a criatividade, a autonomia, a fim de que possam a partir da vivência desta manifestação compreender e ampliar seus conhecimentos sobre a realidade em que vivem.

Diante de tais concepções, abordaremos inicialmente, a história da dança, enfatizando alguns pontos como o surgimento e suas origens, desde os tempos primitivos e sua evolução no decorrer dos séculos até os dias atuais, apresentando sua construção histórica no Brasil, mostrando as diferentes culturas através das danças folclóricas de cada região.

No segundo momento, desenvolvemos a temática da dança na escola como conteúdo da Educação Física. Situamos as análises sobre o que os Parâmetros Curriculares Nacionais (PCNs) – Educação Física (BRASIL, 1998) afirmam sobre a dança e quais os benefícios que sua aplicação nas aulas de Educação Física escolar poderão proporcionar.

Esperamos que este trabalho possa trazer suas contribuições, desafiando os professores de Educação Física para uma reflexão sobre a importância da dança tanto no âmbito escolar, como no contexto do lazer.

1. Pelos caminhos da história da dança: alguns apontamentos

A dança é considerada uma das artes mais antigas. É a única que dispensa qualquer material como ferramenta, pois depende somente do corpo e da vitalidade humana para cumprir sua função, conforme analisou Nascimento (2002).

De acordo com o Langendonck (2009) na Era Primitiva, entre 9000 e 8000 A.C, nos períodos Paleolítico e Mesolítico, a dança estava relacionada diretamente à sobrevivência, no sentido de que os homens vivendo em tribos isoladas e se alimentando de caça, pesca e frutos colhidos da natureza, criavam rituais em formas de dança, buscando impedir que eventos naturais pudessem prejudicar suas práticas.

Segundo Cavasin (2004 apud CAMINADA 1999, p. 22), na forma mais elementar, a dança se manifesta através de movimentos que imitam as forças da natureza que parecem mais poderosas ao homem e que trazem consigo a idéia de que esta imitação tornará possível a incorporação de poderes sobrenaturais.

Na mesma direção, Portinari (1989) afirma que a dança estava presente celebrando as forças da natureza bem como as mudanças das estações. Contudo, até hoje não se tem clareza de quando e por que o homem dançou pela primeira vez. Na medida em que arqueólogos conseguem traduzir inscrições dos povos pré-históricos, elas nos indicam a existência da dança como parte integrante de cerimônias religiosas, permitindo afirmarmos que talvez esta tenha nascido concomitantemente à religião.

Dançar pode significar uma tentativa de comunicação, de expressão de sentimentos e idéias, ou de rituais, como bater as mãos e os pés ritmicamente para aquecer os corpos antes da caça e dos combates. “A dança nasce com o homem. Já nas cavernas, ele batia os pés ritmicamente para se aquecer e comunicar. Em todas as civilizações se dança, de maneira diferente e por vários motivos” (BOGÉA, 2002, p.48).

Antropólogos e arqueólogos assumem que o homem primitivo dançava como sinal de exuberância física, rudimentar tentativa de comunicação e, posteriormente, já como forma de ritual. Dançou-se assim desde tempos imemoriais, em trono de fogueira e diante de cavernas: gestos rítmicos, repetitivos, ás vezes levado ao paroxismo, serviam para aquecer os corpos antes da caça e do combate. Nas mais remotas organizações sociais, a dança estava presente, celebrando as forças da natureza, investidas bélicas, mudanças das estações. (PORTINARI, 1989, p.17)

Segundo as afirmações de Langendonck (2009), foram encontradas gravuras de figuras dançando nas cavernas de Lascaux, na medida em que usavam essas inscrições para relatar aspectos do dia-a-dia e de sua cultura, relacionada à caça, pesca, morte e rituais religiosos, podendo dizer que essas figuras dançantes fizeram parte desses rituais.

As danças primitivas eram executadas pelos homens das cavernas e seus movimentos ficaram registrados na arte rupestre, isto é, em desenhos gravados em rochas e paredes das cavernas.

Durante a Idade Média, na Índia e na China, a dança se apresentava de várias formas. Na adoração de divindades, os dançarinos usavam máscaras e trajes coloridos que acentuavam o poder de representação e de abstração.

Nas palavras de Cavasin (2004), podemos afirmar que os dançarinos executavam movimentos acompanhados por cantos. Dançavam durante o ano novo lunar, por ocasião das colheitas e para louvar os deuses.

Na Grécia antiga, o ideal de perfeição consistia na harmonia entre corpo e espírito, os gregos deram muita importância à dança, pois desde os primórdios ela aparece em mitos, cerimônias, literatura e como matéria obrigatória na formação do cidadão. Além disso, a dança também era muito vinculada aos jogos, especialmente os olímpicos. O corpo dos adolescentes simbolizava beleza aos gregos, considerado fonte de inspiração para os artistas. Era preciso exercitar-se no esporte e na arte da dança para se ter um corpo esbelto.

Sabemos que no império romano a dança teatral se dava através de espetáculos variados que se apresentavam dançarinos que se considerarmos hoje seriam apresentações circenses com acrobatas e saltimbancos. Já na Índia e China a corte contava com os serviços dos escravos bailarinos para distrair a nobreza.

Durante vários séculos, essas manifestações artísticas, eram apresentadas apenas para as nobrezas de cada sociedade, apenas com o passar dos anos o povo foi tendo acesso ás exibições, transformando-se assim em teatro popular aquilo que até então era privilégio de uma pequena minoria. (MOURA, 2007)

Segundo Nascimento (2002), no Renascimento a dança teatral, extinta em séculos anteriores, por que predominava a participação feminina, reapareceu com força nos cenários cortesãos e palacianos. Grandes modificações ocorreram, pois a partir delas, passaram a ser utilizados elementos macabros, como fantoches com membros disformes. Com isso, a igreja interveio de forma austera, reprimindo todas essas manifestações de dança, pois a mesma representava o pecado aos olhos dessa Instituição.

A dança clássica, como informou Bogèa (2002, p. 48), nasceu mais aristocrática, nas cortes da Renascença, na segunda metade do século XVI. Primeiro na Itália, depois na França, com o incentivo da Rainha Catarina de Médicis.

Já no século XIX, na França criou-se a contradança que definiram as danças das cortes. As danças foram criando suas formas peculiares que se transformaram na quadrilha, Valsa, Polca, Mazurca, Scottidh, Pás-de-quatro entre outras.

No século XX, surgiu o Boston, Cake-Walk, Maxixe, One Step, Fox-Trot e Tango. A dança se expandiu também fora do espetáculo, principalmente nas tradições populares.

Nascimento (2002) acredita que as danças folclóricas são originadas das danças de cunho religioso, de dentro dos templos para as praças públicas. Dessa forma, as manifestações religiosas passaram a tomar um caráter de manifestações populares.

A dança moderna surgiu a partir da idéia de contestação dos artifícios do balé e de sua falta de contextualização aos problemas sociais da época. Ela se manifestou num mundo governado por máquinas onde o ser humano buscava relações mais sensíveis com a sociedade e consigo mesmo. (PORTINARI, 1989)

As reformas concebidas por Fokine que libertou os movimentos exagerados dos gestos mímicos seguiam as aspirações dos pioneiros da dança moderna, mas os passos e as posições do balé permaneceram os mesmos. Nijisky tentou ir mais longe se utilizando de movimentos diferentes, mas aquela altura já estava familiarizado com inovações da dança moderna. Depois dele, outros coreógrafos fizeram empréstimo á dança moderna, tendência que se mantém até hoje e pode ser constatada em inúmeras obras. Apesar da união ocasional, o balé dito clássico e a dança moderna seguiam e seguem caminhos distintos, na visão de Portinari (1989, p. 133).

O balé veio para o Brasil com a corte de D.João VI, no inicio de século XIX. Alguns dos grandes espetáculos que então se dançavam na Europa foram vistos por aqui. Bem mais tarde, já em 1909, os balés Russos de Diaghilev passaram pelo Rio de Janeiro, apresentaram no recém-fundado Teatro Municipal. Nijinski causou grande sensação. Nos anos seguintes, o Municipal continuou a receber convidados, entre eles uma bailarina russa maravilhosa, Maria Olenawa, e a companhia de Anna Pavlova. (BOGÉA, 2002, p.77)

Atualmente, podemos classificar a dança de três formas distintas: folclórica, étnica e teatral como ressalta Moura (2007), pois, durante alguns séculos a dança era privilégio dos homens, e somente no decorrer dos anos é que as mulheres passaram a praticá-la.

Hoje temos quatro tipos grandes de dança: danças clássicas, danças de salão, danças moderna e danças rítmica (NASCIMENTO, 2002).

Na próxima parte, discutiremos os aspectos relativos à dança no contexto brasileiro, suas origens e inserção cultural na nossa sociedade.

1.2. A dança no Brasil: algumas reflexões

A dança no Brasil originou-se dos mais variados lugares. Há uma mistura de ritmo e som que faz as pessoas criarem cada vez mais passos e modos diferentes de dançar. Por exemplo, os índios do Brasil, segundo Bogêa (2002), têm seus rituais dançados ao som dos atabaques. Alguns aspectos de suas danças são preservados até hoje.

No Brasil, a dança ligada à Educação Física surge na década de 1920 por agregação de movimentos ginásticos em suas bases elementares. Já em 1940, foi incluída na formação de professores de educação física, e gerou um núcleo que liderou a disseminação da dança em diferentes modalidades, posteriormente tornando-se parte dos currículos de licenciatura. Continuou a passar por transformações e em 1980 foi reformulado a licenciatura e o bacharel, confirmando a necessidade dos professores de educação física desenvolverem saberes e competências em relação à dança e suas diferentes manifestações.

Para Marques (2007), nas décadas de 1980 e 1990, propostas de dança foram contestadas por filósofos do minimalismo. Este se refere a uma série de movimentos artísticos e culturais que percorreram diversos momentos do século XX. Preocuparam-se em exprimir através de seus mais fundamentais elementos, especialmente nas artes visuais, no design, na música e na própria tecnologia, o formalismo que descreve uma ênfase da forma sobre o conteúdo, atestada pela ausência do coreógrafo e da recusa de técnicas codificadas em prol do significado da dança. No período de 1990 surgem evidencias de que o método dança educação vinha sendo fortalecido como proposta ao trabalho corporal.

O Brasil é um país que tem na sua cultura popular expressões significativas, que possibilitam inúmeras oportunidades de aprendizagem através de músicas, danças e festas populares.

Côrtes (2000) afirma que as manifestações da cultura popular se modificam juntamente com as mudanças da sociedade em que estão inseridas, sendo parte fundamental dos diversos modos de pensar, sentir e agir de um povo, presentes em seu contexto sociocultural historicamente construído.

No Brasil temos as classificações das danças por região onde cada uma possui sua dança tradicional assim como as festas. A seguir, vamos citar algumas danças das regiões com base no trabalho de Cortês (2000).

Norte: Carimbó, Retumbão, Lundu da Ilha do Marajó, Xote Bragantino, Vaqueiros do Marajó, Marabaixo, Batuque, Siriá, Boi-de-Máscara.

Nordeste: Guerreiro, Frevo, Xaxado, Quilombo, Caninha Verde, Maracatu, Caboclinhos, Ciranda, Coco, Capoeira.

Centro-Oeste: Catira, Chupim, Cururu, Siriri, Engenho de Maromba, Cavalhada.

Sudeste: Ticumbi, Congos, Congados ou Congadas, Moçambique, Catopês, Jongo, Caboclinhos ou Caiapós, Folias de Reis, Marujos, São Gonçalo, Calango Mineiro.

Sul: Caranguejo, Chimarrita, Pezinho, Balaio, Maçanico, Rancheira, Pau-de-Fita, Tatu, Chula, Tirana do Lenço.

Danças do Fandango Paranaense: Xará-Grande, Anu, Tonta e Recortado.

Desta forma, iremos explicar uma dança de cada região concordando com as idéias de Côrtes (2000).

Na região Norte, o Carimbó é considerado um gênero musical de origem indígena, porém, como diversas outras manifestações culturais brasileiras, miscigenou-se e recebeu outras influências, principalmente negra. Seu nome, em tupi, refere-se ao tambor com o qual se marca o ritmo, o carimbó. Surgida em torno de Belém na zona do Salgado (Marapanim, Curuçá, Algodoal) e na Ilha de Marajó, passou de uma dança tradicional para um ritmo moderno, influenciando a lambada e o zouk.

Figura 1. Dança típica da região Norte denominado como Carimbo

Na região do Nordeste, temos o frevo que é um ritmo musical e uma dança brasileira com origens no estado de Pernambuco, misturando marcha, maxixe e elementos da capoeira. Este estilo pernambucano de carnaval é um tipo de marchinha bastante acelerada, que, ao contrário de outras músicas carnavalescas, não possui letra, sendo simplesmente tocada por uma banda que segue os blocos carnavalescos enquanto a multidão se diverte dançando. Apesar de parecerem simples ao olhar, os passos do frevo são bem complicados, pois, esta dança inclui: gingados, malabarismos, rodopios, passinhos miúdos e muitos outros passos complicados. Para complementar a beleza da dança, eles usam uma sombrinha ou guarda-chuva aberto enquanto dançam.

Figura 2. Dança típica da região do Nordeste denominada como Frevo

Temos também na região do Centro-Oeste a Catira ou cateretê, uma dança do folclore brasileiro em que o ritmo musical é marcado pela batida dos pés e mãos dos dançarinos, de origem híbrida, com influências indígenas, africanas e européias, a catira (ou "o catira") tem suas raízes em Mato Grosso, Goiás e norte de Minas. A coreografia é executada na maioria das vezes por homens (boiadeiros e lavradores) e pode ser formada por seis a dez componentes e mais uma dupla de violeiros, que tocam e cantam a moda.

Figura 3. Dança típica da região do Centro-Oeste denominada como Catira

Já na região Sudeste, o Ticumbi representa uma manifestação folclórica que ocorre anualmente no estado do Espírito Santo, principalmente na cidade de Conceição da Barra. Consiste na execução de coreografias por um grupo de pessoas trajadas segundo as tradições pelas ruas da cidade, acompanhados de música executada por pandeiros. Suas raízes remontam a cerimônias africanas, mas atualmente é executado em homenagem ao santo católico Benedito.

Figura 4. Dança típica da região Sudeste denominada como Ticumbi

Temos ainda na região Sul a Chimarrita, também chamada Chamarrita ou Limpabanco. É uma dança típica do folclore gaúcho. Originária dos Açores e Ilha da Madeira, a chimarrita é uma das danças mais populares do fandango gaúcho. Além do Rio Grande do Sul, a chimarrita também é dançada e cantada nos estados de São Paulo e Paraná, ao som de "harmônica" (gaita). Indumentária: traje à moda gaúcha. Também se encontra a chimarrita no Uruguai, onde é considerada um dos ritmos de raiz mais populares.

Figura 5. Dança típica da região Sul denominada como Chimarrita

Conforme citado por Toneli (2007), a Dança de Salão, é um exemplo de Dança Popular também conhecida como Dança Social ou de Sociedade. É a dança praticada nos bailes e reuniões sociais que tem o objetivo de socializar e divertir. Quanto à sua nomenclatura, explica que o termo de salão, é devido à necessidade de salas grandes, para que se possam realizar as evoluções das danças.

Mesmo reconhecendo as dificuldades para especificar os locais de ocorrência de muitas danças, Côrtes (2000), acredita que deve ser adotada a divisão do Brasil em regiões proposta pelo Instituto Brasileiro de Geografia e Estatística (IBGE), por agrupar os estados com traços físicos, humanos, econômicos, sociais e históricos comum, e ser amplamente utilizada nas escolas, permitindo que este trabalho seja fidedigno a sua proposta maior.

Atualmente, a dança na perspectiva da cultura corporal é promotora de desenvolvimento e autonomia corporal que segundo os Parâmetros Curriculares Nacionais (BRASIL, 1998) – PCNs de Educação Física, a dança se classifica como um de seus conteúdos, possibilitando o desenvolvimento da cultura corporal na comunidade escolar.

Nas palavras de Pereira (2006), a Educação Física não exclui o conteúdo de dança de seu campo de atuação. Ao contrário, é esta que ela vem tentando incluir na formação do currículo escolar. O ensino de dança na escola deve ser também de responsabilidade do professor de Educação Física.

2. A dança na escola: desafios da prática pedagógica

Consideramos a educação formal como possibilidade de socialização de conhecimentos sistematizados e a dança como um conteúdo da Educação Física, expressão da corporeidade de nossos alunos.

Para Laban (1990, p. 108), quando criamos e nos expressamos por meio da dança ao executarmos e interpretarmos seus ritmos e formas, preocupamo-nos exclusivamente com o próprio movimento.

Por isso, pensamos na importância da aprendizagem do movimento e da exploração da capacidade de se movimentar, defendendo a presença da dança na escola de forma criativa. No entanto, cabe questionarmos: Qual o sentido da dança na escola?

Barreto (2004) destaca os diferentes motivos que justificam a importância e a viabilização do ensino de dança na escola: propiciar o autoconhecimento; estimular vivências da corporeidade na escola; proporcionar aos educandos relacionamentos estéticos com as outras pessoas e com o mundo; incentivar a expressividade dos indivíduos; possibilitar a comunicação não verbal e os diálogos corporais na escola; sensibilizar as pessoas, contribuindo para que elas tenham uma educação estética, promovendo relações mais equilibradas e harmoniosas diante do mundo, desenvolvendo a apreciação e a fruição da dança. (BARRETO, 2004, p. 66)

De acordo com Ferreira (2009), a dança na escola aparece como facilitadora de momentos de prazer, espontaneidade e criatividade, respeitando a individualidade e limitações de cada um, e estimulando o desenvolvimento dos alunos forma consciente e integral.

Visto a importância do ensino da dança na escola, discutiremos na sequencia a dança segundo os PCNs.

2.1. A dança nos PCNs de Educação Física

Os Parâmetros Curriculares Nacionais (BRASIL, 1997, p.13) são referenciais para a Educação no Ensino Fundamental em todo o País, que tem como função orientar os professores em sua prática pedagógica.

Segundo o Coletivo de Autores (1992, p. 41), “a Educação Física é uma disciplina que trata, pedagogicamente, na escola, do conhecimento de uma área denominada de cultura corporal”. No PCN de Educação Física (1997, p. 23), “dentre as produções dessa cultura corporal, algumas foram incorporadas pela Educação Física em seus conteúdos: o jogo, o esporte, a dança, a ginástica e a luta”.

A partir da afirmação acima de que a dança sendo um conteúdo da Educação Física, podemos falar sobre a dança nos PCNs.

De acordo com Marques (2007, p. 15), “em 1997, a Dança foi incluída nos Parâmetros Curriculares Nacionais (PCNs) e ganhou reconhecimento nacional como forma de conhecimento a ser trabalhado na escola”.

Os PCNs são, portanto uma alternativa para que professores que porventura desconheçam as especificidades da dança como área do conhecimento possam atuar de modo a ter alguns indicativos para não comprometer em demasia a qualidade do trabalho artístico-educativo em sala de aula (MARQUES, 2007, p.36).

Os conteúdos de Educação Física no Ensino Fundamental nos PCNs (1997), são divididos em três blocos: esportes, jogos, lutas e ginásticas; atividades rítmicas e expressivas; e conhecimentos sobre o corpo. A dança está inserida no bloco das atividades rítmicas e expressivas como uma manifestação da cultura corporal.

Segundo os PCNs este bloco de conteúdos acima citado irá contemplar:

... as manifestações da cultura corporal que tem como características comuns a intenção de expressão e comunicação mediante gestos e a presença de estímulos sonoros como referência para o movimento corporal. Trata-se das danças e brincadeiras cantadas. (BRASIL, 1997 b, p.51)

De acordo com o PCN de Educação Física (1997), o conteúdo dança faz parte do documento de Arte, sendo que, a dança nos PCNs de Educação Física só vem a complementar o bloco de dança do documento de Arte, onde o professor encontrará mais subsídios para o trabalho da dança como linguagem artística.

Segundo Barreto (2004, p. 119), as atividades a serem trabalhadas no bloco de atividades rítmicas e expressivas são as danças brasileiras, urbanas e eruditas, as danças e coreografias associadas a manifestações musicais, brincadeiras de roda e ciranda.

Os PCNs (1997) sugerem uma lista de danças e outras atividades rítmicas e/ou expressivas: danças brasileiras: samba, baião, valsa, quadrilha, afoxé, catira, bumba meu boi, maracatu, xaxado, etc.; danças urbanas: rap, funk, break, pagode, danças de salão; danças eruditas: clássicas, modernas, contemporâneas, jazz; danças e coreografias associadas a manifestações musicais: blocos de afoxé, olodum, timbalada, trios elétricos, escolas de samba; lengalengas; brincadeiras de roda, cirandas; escravos-de-jó.

Os PCNs afirmam que, por meio das danças e brincadeiras os alunos poderão conhecer as qualidades do movimento expressivo, conhecer algumas técnicas de execução de movimentos e utilizar-se delas; ser capazes de improvisar, de construir coreografias, e, por fim, de adotar atitudes de valorização e apreciação dessas manifestações expressivas.

Discutiremos na seqüência quais os benefícios que a dança pode proporcionar sendo aplicada como conteúdo nas aulas de Educação Física nas escolas.

2.2. Benefícios da dança na escola

A escola é uma instituição voltada à educação formal que tem como objetivo sistematizar conhecimentos, assim como o legado cultural produzido pelo homem ao longo do tempo, visando à formação humana e crítica dos cidadãos.

Rangel (1996) afirma que é na escola que o indivíduo tem acesso a um número bastante diversificado de informações, conhecimentos, normas, valores e atitudes. Neste contexto, a dança na escola deve proporcionar oportunidades para que o aluno possa desenvolver todos os domínios do comportamento humano.

Para que o professor contribua efetivamente na formação de estruturas corporais mais complexas, ele poderá se utilizar da dança, tanto no aspecto biológico que é sua especificidade, mas também na questão da formação humana.

É possível afirmar ainda segundo Friedrich (2001), que a dança como processo educacional pode contribuir para o aprimoramento das habilidades básicas, dos padrões fundamentais do movimento, no desenvolvimento das potencialidades humanas e sua relação com o mundo.

Nas palavras de Manfio; Paim (2008), a dança é um conteúdo muito importante para que o aluno consiga desenvolver seu autoconhecimento, liberar as tensões, além de proporcionar um encontro da coordenação e da harmonia dos diferentes movimentos corporais.

O trabalho da dança educacional segundo Rangel (1996), quando preocupado em deixar fluir dos educandos suas emoções, seus anseios e desejos dos movimentos que não necessariamente envolvam a técnica, permitirá que o sujeito se revele e desperte para o mundo, numa relação consigo e com os outros, de forma consciente.

De acordo com Manfio; Paim (2008) temos na dança educação uma oportunidade de desenvolvermos atividades corporais artísticas na escola, com o objetivo de desenvolvimento não apenas das capacidades motoras das crianças, mas como de suas capacidades imaginativas e criativas.

A dança pode propiciar o autoconhecimento, estimular vivência da corporeidade na escola, proporcionar aos educando relacionamentos estéticos com as outras pessoas e com o mundo, incentivar a expressividade dos indivíduos, possibilitar a comunicação não verbal e os diálogos corporais na escola, sensibilizar as pessoas contribuindo para que elas tenham uma educação estética, promovendo relações mais equilibradas e harmoniosas diante do mundo desenvolvendo a apreciação e a fruição da dança. (BARRETO, 2008, p.66)

Ao vivenciarmos a dança, seja em expressão artística, recreativa, expressão humana, de sentimentos, entre outras, podemos dizer que tais concepções podem enriquecer muito o trabalho do professor conjunto à educação física, considerando que ambas as áreas são complementares.

Segundo Pereira (2006), apesar de áreas distintas, cada qual possuindo seu próprio campo de conhecimento e objeto de estudo, a dança é considerada como um conteúdo a ser trabalhado pela educação física escolar.

A dança pode contribuir para a área da educação física na medida em que, através da experiência artística e da apreciação, estimula no individuo os exercícios da imaginação e da criação de formas expressivas despertando a consciência estética, como um conjunto de atitudes mais equilibradas diante do mundo. (BARRETO, 2004, p.117)

Devemos ressaltar que a dança pode ser desenvolvida pela educação física também em outros espaços de prática no lazer como: clubes, academias, escolas especializadas de dança.

Nas palavras de Santos (2005), cada vez mais a dança vem sendo incluída nos currículos escolares ou extra-escolares. Devido aos métodos e processos livres utilizados por esta disciplina, as crianças têm a possibilidade de aprender pelas experiências do próprio corpo, e agirem livremente no espaço em que vivem, interagindo com as pessoas que as cercam.

Considerações finais

Após o levantamento bibliográfico, verificamos que a dança é um conteúdo que pode ser aplicado tanto nas escolas nas aulas de Educação Física como também no contexto do lazer, em clubes e escolas especializadas de dança, trazendo inúmeros benefícios aos seus praticantes.

Constatamos também a importância da presença da dança no âmbito escolar, pois além de ser uma vivência corporal prazerosa e saudável, poderá proporcionar o bem-estar, a interação, trabalhando aspectos motores, psicológicos e cognitivos, contribuindo para o fortalecimento do vínculo social e afetivo.

Concluímos assim, que a dança pode favorecer a formação humana, fazendo com que os alunos conheçam essa arte, vivenciando suas diferentes manifestações. Então por que não começarmos hoje essa prática que traz tantos benefícios.

Referências

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BRASIL. Secretaria de Educação Fundamental. Parâmetros Curriculares Nacionais: Educação física /Secretaria de educação Fundamental._Brasília: MEC/ SEF, 1997.

BRASIL, Secretaria de Educação Fundamental. Parâmetros curriculares nacionais: Arte/Secretaria de Educação Fundamental. Brasília: MEC/SEF, 1998.

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CAVASIN, C. R. A dança na aprendizagem. Curso de Pós-Graduação em Educação Física, Associação Educacional Leonardo da Vinci, São Paulo, 2004.

COLETIVO DE AUTORES. Metodologia do ensino da Educação Física. São Paulo: Cortez, 1992.

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FERREIRA, S. S. Dança na escola: um processo de criação. Campinas: UNICAMP, 2009. 80 p. Dissertação (Mestrado), Curso de Pós-Graduação em Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte, Faculdade de Educação, Universidade Estadual de Campinas. Campinas, 2009.

FRIEDRICH, J. C. A Dança de salão nas aulas de Educação Física. Disponível em: http://www.diaadiaeducacao.pr.gov.br/portals/pde/arquivos/1912-8.pdf2001. Acesso em: 13 jul. 2010.

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MANFIO, J.; PAIM, M. C. C. A dança no contexto da Educação Física escolar: percepção de professores de ensino médio. EFDeportes.com, Revista Digital. Buenos Aires, ano 13, n.125, out. 2008. http://www.efdeportes.com/efd128/a-danca-no-contexto-da-educacao-fisica-escolar.htm

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VERDERI, E. B. L. P. Dança na Escola. 2 ed. Rio de Janeiro: Sprint, 2000.

CULTURA TRADIÇÃO

BUSCA

Documentario que serviu de TCC para essa turma nota 10 de jornalistas.

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